Septiembre, 2025
Este año, la sección Proyectos de Arte volvió a la feria con el objetivo de ofrecer un panorama alternativo del arte chileno que integró propuestas colaborativas, experimentales y autogestionadas provenientes no solo del centro, sino también de distintas regiones del país. Pensada como un espacio de encuentro entre prácticas disímiles y materialidades diversas, la sección buscó articular una red de diálogo entre iniciativas independientes, circuitos institucionales y agentes del campo artístico contemporáneo.
Desde la curaduría, quise que la diferencia funcionara como principio compositivo. No se trató de reunir discursos afines, sino de disponer tensiones, escalas y temporalidades distintas en un mismo plano expositivo, entendiendo la muestra como un microsistema simbiótico: transitorio, pero activo. Recibimos 35 postulaciones de todo Chile y seleccionamos nueve proyectos que trazan una loca geografía: desde Arica a Puerto Cisnes, pasando por Talca, Concepción y Santiago.
Más que una suma de presentaciones individuales, la sección propuso una composición colectiva, sostenida por soportes, técnicas y lenguajes que incluyeron textiles, gráfica, archivo, escultura, instalación y prácticas performativas. La exhibición se propuso conectar prácticas situadas con circuitos más amplios de circulación, sin renunciar a su singularidad.
El Premio de adquisición de obra del Museo de Arte Contemporáneo fue otorgado a Rodrigo Canala por Estudios, Dibujitos, Entelequias (2014–2023). Fundador y único miembro de Galería Técnica®, Canala construye una institución ficticia —con logo, catálogo, Instagram y papelería corporativa— que opera como sátira del circuito profesional del arte. Su galería no tiene sede, ni dirección postal, ni estructura estable: lo que tiene es polvo, cholguán y plumavit.
Estudios, Dibujitos, Entelequias es una colección de bocetos y frases sobre papel enmarcado, caracterizada por su humor, precariedad y agudeza. Más que ilustraciones, estos dibujos configuran una performance gráfica en la que Canala se representa como sujeto errático y a la vez como productor compulsivo de símbolos. El marco pintado de blanco, de factura modesta, encierra una obra que juega con la idea de original, de serie, de propiedad y de valor.
La obra no es un conjunto de estudios minuciosos ni una serie de dibujos acabados. Es más bien un archivo precario de observación desinteresada, una constelación de citas, trazos y anotaciones que oscila entre lo íntimo y lo paródico. Lejos de afirmar una identidad, la obra encarna su disolución: fragmenta la voz, multiplica los gestos, escenifica su propia inestabilidad. En lugar de ofrecer una verdad sobre el sujeto, presenta una máscara porosa, atravesada por la incertidumbre, el nihilismo y el desorden. Lo que aquí se expone no es una biografía, sino un proceso de desfiguración: una subjetividad en ruinas que se organiza como montaje de hojas sueltas y expresiones entre comillas.
El Premio Fundación Mecenas fue otorgado a Cholita Chic, seudónimo de Yaroslavl Riquelme, por una instalación compuesta por challa, afiches, impresiones digitales, telas brillantes y una paleta cromática chillona y carnavalesca. Su selección reunió tres de sus colecciones más representativas: La última heredera de Atahualpa (2014), La emancipación de las justas (2018) y La última travesti en el folklore (2023), de donde emerge la figura de Santa Marica, la santa de Arica. La obra irrumpe como un altar popular, que subvierte los lenguajes religiosos para devolverles a las disidencias sexuales e identitarias un espacio de devoción, respeto y centralidad simbólica.
Lejos de toda neutralidad estética, el gesto de Cholita Chic pone en escena una militancia creativa que se despliega desde el territorio andino y fronterizo. Su imaginario —mezcla de pop, chicha, mística andina y cultura trans— no busca representar a una comunidad, sino amplificar su potencia hacia áreas de sentido inesperadas. Santa Marica constituye un símbolo apropiado por quienes desafían al machismo y la violencia estructural con ironía, performance, ternura y rabia.
El Premio Gobernación de Santiago, categoría Innovación Artística, recayó en Joshua Silva.
Su instalación consiste en una placa de vidrio con una impresión térmica tornasolada: la silueta de un zorro fijada como rastro lumínico de calor residual captado por cámara infrarroja.
A partir de esta imagen, Silva alude a la animalización del migrante. Esa lógica —descrita por Frantz Fanon en Los condenados de la tierra, donde “el colono […] animaliza al colonizado” y usa “un lenguaje zoológico”— se hace visible en la pieza: el zorro encarna la figura ambivalente de quien es visto a la vez como amenaza y desecho, y da cuenta de la violencia estructural que persiste sobre los cuerpos desplazados. Silva traslada esa figura al campo estético mediante dispositivos técnicos que permiten ver lo que normalmente permanece oculto. El brillo térmico, más que denunciar de forma frontal, sugiere una cartografía de trayectos vigilados: indicios mínimos que bastan para intuir la maquinaria de control que opera fuera de cuadro.
La obra premiada fue seleccionada por la Gobernación luego de que el jurado del premio optara, en cambio, por El weón meando, otra pieza del mismo artista: una imagen térmica de un hombre orinando de espaldas. Esa obra fue censurada por su provocación y abyección. Sin embargo, ambas piezas componen una misma línea de investigación: pensar lo invisible no como vacío, sino como forma activa de resistencia y producción de sentido. En ese gesto, la práctica de Silva interpela los límites de la visibilidad, desmantela los dispositivos de representación hegemónica y restituye a lo marginal una fuerza crítica ineludible.
A partir de estos reconocimientos, Proyectos de Arte se consolida como una de las secciones más significativas de la feria, por la calidad y riesgo de las propuestas seleccionadas, y por su capacidad de conectar territorios, lenguajes y urgencias que suelen quedar fuera del circuito comercial. Al reconocer obras que incomodan, que conmueven y que construyen comunidad desde lo precario, esta sección reafirma el compromiso de Ch.ACO con una escena diversa, crítica y en transformación. En tiempos de estandarización estética y sobreproducción visual, el gesto curatorial de abrir este espacio resulta necesario y profundamente político.
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